D. Dumas, théâtres

On sait que Pygmalion, sculpteur de Chypre, tomba amoureux de Galatée, la statue d’ivoire, née de son ciseau, et que Vénus l’anima. On sait que le mythe a inspiré les peintres, les sculpteurs, avant que la musique, le théâtre, le cinéma et aussi la psychologie s’en emparent. La pièce de George-Bernard Shaw Pygmalion (1914) adaptée pour le cinéma dès 1937, devient une éblouissante comédie musicale My Fair Lady, créée à Broadway, en 1956, puis tournée pour le cinéma par G. Cukor, en 1964.

Aujourd’hui, Ned Grujic se souvient de cette époque pour y transposer la pièce Pygmalion, de George-Bernard Shaw, traduite et adaptée par Stéphane Laporte. Eliza Doolittle (Lorie Pester) ne vend plus des bouquets à la sortie de l’opéra, mais des bonbons au cinéma Astoria. Sur le manteau d’Arlequin, ce nom brille en lettres de néon (lumières d’ Antonio De Carvalho). Des séquences d’actualité ponctuent les étapes de la transformation de la petite fille « sale et ignorante » en duchesse, ou, du moins en « lady » que l’on compare, à la star de cinéma, la délicieuse Audrey Hepburn. Ned Grujic projette aussi, sur l’écran de fond, une scène dansée entre Eliza et Freddy (Emmanuel Suarez). Mais pour le reste, même si les personnages sont moins nombreux, le texte de G. B. Shaw, un peu modernisé, est intact, brillant et caustique.

Le Professeur Higgins (Benjamin Egner) demeure un coriace misogyne, « une brute égoïste », et son acolyte Pickering (Philippe Colin) ne vaut guère mieux. Mrs Pearce (Claire Mirande) la gouvernante est toujours à cheval sur la bienséance. Mrs Higgins mère (Sonia Vollereaux) suit avec intérêt l’expérience et ouvre son cœur et ses salons à Eliza, qui trébuche un peu dans ses manières et son vocabulaire. Freddy et sa sœur Clara (Cécile Beaudoux) s’enthousiasment pour Eliza et papa Doolittle (Jean-Marie Lecoq) demande encore « un peu d’égard pour sa sensibilité » devenue « bourgeoise ».

Le décor de Danièle Rozier est congruent à l’époque et les costumes de Virginie Houdinière la restituent avec grâce. La jeune Lorie Pester, fait des débuts prometteurs au théâtre. Les comédiens qui l’entourent la soutiennent avec panache.

Si vous voulez profiter des leçons de phonétique de Higgins, sans tomber amoureux(se) de votre Pygmalion, je vous recommande ce spectacle.

Pygmalion de George Bernard Shaw

Traduction et adaptation de Stéphane Laporte

Mise en scène de Ned Grujic

Théâtre 14

0145 45 49 77

Jusqu’au 27 février

Monter Cyrano de Bergerac d’Edmond Rostand avec sa vingtaine de rôles et ses figurants,  suppose une troupe nombreuse. Et comme, de plus, il y a un changement de décor à chaque acte, avec un théâtre dans le théâtre à l’acte I, une pâtisserie en ordre de marche au II, une maison avec balcon au III, un bivouac avec des mousquets, des canons, un carrosse qui entre en scène au IV, un cloître avec jardin au V, des costumes en abondance, des accessoires en nombre, la représentation exige des moyens que seuls les grands théâtre nationaux peuvent encore apporter. Et pourtant…

Henri Lazarini vient de signer une mise en scène sobre et dynamique, colorée et romantique sans balcon, sans carrosse, avec treize comédiens, et le jeune public qui vient en rangs serrés écouter du Rostand, en reste muet d’admiration. Et nous, qui affichons volontiers des mines blasées, nous partageons son émotion !

D’où vient que depuis sa création en 1897, le triomphe de Cyrano de Bergerac ne s’est jamais démenti ? De son héroïsme revendiqué à l’heure des compromissions ? De sa curiosité scientifique ? De sa verve poétique et sa « burlesque audace »[1]? De son ironie cinglante envers les gens en place ?  On a eu beau nous expliquer que ce bretteur intrépide était un homosexuel notoire[2], on préfère qu’il soit l’amoureux platonique de Roxane. On nous a dit que ses bravades ont un côté cocardier démodé et franchouillard. Mais on l’aime comme aurait dû l’aimer Roxane…

Henri Lazarini choisit de le montrer d’abord en Rostand lui-même (Benoit Solès), devenant Cyrano au fil de sa plume. Tel Ferruccio Soleri[3] faisant glisser le masque  d’Arlequin, de son front à son nez, il entre alors en scène pour interdire Montfleury (Michel Baladi). Et la machine théâtrale est lancée pour deux heures de prouesses. Benoit Solès est magnifique. Fougueux devant les périls, stoïque devant un Christian effronté (Vladimir Perrin), pudique devant une adorable Roxane (Clara Huet), il est éblouissant. L’apogée de son interprétation sera sans doute ce dernier acte crépusculaire, où il retrouve, quinze ans après le siège d’Arras, une Roxane douloureuse, corsetée dans son deuil, bouleversante Geneviève Casile qui joua ce rôle au Français aux côtés de Jean Piat. Sublime idée que de montrer ainsi le passage du temps et d'évoquer le vers de Rosemonde Gérard, l'épouse-amante  de Rostand  qui se demande si l'amour durera encore : « Lorsque mes cheveux blonds seront des cheveux blancs. »

Et les autres comédiens ? Vladimir Perrrin (Christian) est charmant comme il se doit. Michel Melki donne un Ragueneau sensible et attentionné. Émeric Marchand joue un Le Bret fraternel, Emmanuel Dechartre, un Comte de Guiche rageur et blessant, Jean-Jacques Cordival, le capucin naïf qui marie Roxane et Christian. Puis viennent ceux qui jouent de multiples rôles, Lydia Nicaud (ou Christine Corteggiano), en duègne, puis Mère marguerite, Anne-Sophie Liban, la coquette Lise qui devient Sœur Marthe au dernier acte,  Julien Noïn, et Pierre-Thomas Jourdan, marquis, cadest, pâtissiers ou poètes, tous impeccables, le ton juste.

La scénographie de Pierre Gilles dresse au proscenium deux espaces mémoriels : une loge de théâtre, à cour, et à jardin, le cabinet de travail de Rostand avec une photographie de Sarah Bernhardt, et un plan du Voyage dans la lune de Méliès qui servira d’illustration au récit de Cyrano à l’acte III. Peu d’accessoires et Cyrano se bat sans épée ! Il n’y a pas de balcon non plus mais cependant tout fonctionne, le spectateur est pris, subjugué, ému aux larmes.

Il y a dans le rouge des costumes de Roxane et des petits marquis, la provocation de la préciosité, dans ceux des cadets une réminiscence des bicolores signés Léon Gischia, et c’est peut-être aussi pour ces souvenirs-là qu’on a envie de dire : « Rostand a du génie et Christian était beau ».

Photos © LOT

Cyrano de Bergerac  d’Edmond Rostand

Jusqu’au 4 juillet

Théâtre 14

01 45 45 49 77

Les contemporains de Beaumarchais ont vu dans  Le Mariage de Figaro une pièce qui annonçait la Révolution : « Figaro a tué la noblesse » disait Danton. Anne Ubersfeld affirmait que c’était la première pièce romantique. Jean-Paul Tribout en propose une nouvelle mise en scène aujourd’hui et montre combien les combats contre l’obscurantisme et l’arbitraire sont toujours nécessaires.

Nous ne redirons pas ici l’intrigue du Mariage, on devrait dire des mariages, puisqu’à celui de Figaro avec Suzanne, apparaissent, imbriqués, le mariage du Comte et celui, différé, de Marceline.

Beaumarchais, dans sa Préface  au Mariage de Figaro disait combattre « l’hypocrisie de la décence » pour revenir à « la franche et vraie gaieté » qui distingue « de tout autre le vrai comique de notre nation ». Il voulait Suzanne « spirituelle, adroite et rieuse », Agnès Ramy qui l’incarne est, comme aurait dit l’ami Wolinski, tout simplement, « bandante ». Figaro la choisit comme épouse, le Comte  (Xavier Simonin) la désire, Bazile  (Xavier Simonin) la caresse, et ce petit garnement de Page (Thomas Sagols), y tenterait bien un coup d’essai. Affriolante en jupon et corset (costumes : Aurore Popineau), effrontée et lucide, elle comprend plus vite que Figaro (Éric Herson-Macarel), les intentions faussement généreuses du Comte : « Il y a, mon ami, que, las de courtiser les beautés des environs, monsieur le comte Almaviva veut rentrer au château, mais non pas chez sa femme; c'est sur la tienne, entends-tu, qu'il a jeté ses vues, auxquelles il espère que ce logement ne nuira pas. » C’est elle qui démasque les hypocrites : « Et c'est ce que le loyal Bazile, honnête agent de ses plaisirs, et mon noble maître à chanter, me répète chaque jour, en me donnant leçon. » Justes noces pour Suzanne, mais combien d'injustes noces dans ce monde tartuffié ?

Le Mariage de Figaro est une pièce à la gloire des femmes. Elles y sont solidaires. La mélancolique et timide Comtesse (Marie-Christine Letort) décide de prendre l’habit de Suzanne pour confondre son infidèle de mari. L’amère Marceline (Claire Mirande), une fois libérée de son secret, s’affranchit de la tutelle des mâles : « Dans les rangs même plus élevés, les femmes n'obtiennent de vous qu'une considération dérisoires ; leurrées de respects apparents, dans une servitude réelle ; traitées en mineures pour nos biens, punies en majeures pour nos fautes ! Ah  sous tous les aspects, votre conduite avec nous fait horreur ou pitié ! ». Elle aide alors ses sœurs à s’émanciper. Et même la petite Fanchette (Alice Sarfati), dénonce le grand seigneur.

Une des  grandes difficultés de la mise en scène du Mariage est la multiplicité des lieux. Cinq actes, cinq lieux différents, sans compter, comme le souligne Jean-Pierre de Beaumarchais, les lieux « d’invisibilté », à savoir au premier acte, le fauteuil de malade où peuvent se cacher Chérubin puis le Comte, et aux actes suivant l’alcôve, le cabinet, le jardin, le bois, le pavillon où se réfugient les pas encore amants, les pas encore fautifs, qui se comportent comme des coupables, menacés qu’ils sont par la colère du Comte. Amélie Tribout résout tous ces problèmes par un décor unique, plus rêvé que réel, un mur d’un bleu céleste où courent de jolis nuages duveteux, et qui dissimule trois portes. Les comédiens apportent et emportent quelques accessoires sur un plateau nu, les lumières de Philippe Lacombe fabriquent le reste.

Jean-Paul Tribout ne se contente pas de diriger avec ingéniosité tous les comédiens – outre ceux qu’on a déjà nommés, n’oublions pas Jean-Marie Sirgue qui est tour à tour Gusman bégayeur et Brid’oison mauvais juge, Marc Samuel, en Bazile cauteleux puis en cumulard Double-Main, et Pierre Trapet un Antonio madré – il est aussi le Dr Bartholo, pétri de rancune, suborneur confondu. Et le metteur en scène restitue au Mariage  toute la dimension sensuelle que certains cachent sous des intentions socialisantes.

Il impose à la pièce un rythme de cavalcade. N’est-ce pas « la folle journée » ? Et de scène en scène, le public conquis par ce Mariage en savoure l’insolence, la justesse, et le bonheur.

Photos © Emmanuelle Ales

Le Mariage de Figaro de Beaumarchais

 jusqu’au 21 février

Théâtre 14

01 45 45 49 77

Jean-Pierre de Beaumarchais, Le Mariage de Figaro collection études littéraires, PUF.